especiales / DARREN ARONOFSKY: SUS FILMS, DE PEOR A MEJOR

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La nueva película de Darren Aronofsky, Mother, viene dividiendo a la crítica y audiencia en donde quiera que se estrene. Hay quienes la llaman “una obra maestra”, y hay otros tantos que dicen que es una de las peores películas del año. Sin entrar en la controversia (para eso, publicaremos en breve una apreciación del estreno en cuestión), hay algo que vale aclarar: no es la primera vez que el director de Réquiem para un sueño y El Cisne Negro divide las aguas: buena parte de su filmografía se basa en la provocación, y por ende se podrá decir cualquier cosa de su cine pero jamás el sentimiento será de indiferencia.

A continuación, un repaso de sus seis películas anteriores a Mother, enumeradas de peor a mejor:

6- NOÉ

Una película sin demasiado sentido (transformers formados por roca, interpretaciones bastante libres del Antiguo Testamento, etc) que, sin embargo, podría ser exculpada de ello porque habrá quienes argumentarán que tampoco la fuente original en la que se basa (siendo esa fuente ni más ni menos que la Biblia) tampoco lo tiene. Puede que sea así, o puede que eso sea sólo una blasfemia, pero de un modo u otro Noé fracasa como fábula, concentrándose demasiado en un aspecto visual que abunda en efectos digitales que, para colmo, no siempre funcionan. Russell Crowe es un Noé guerrero que defiende hasta con los dientes su arca encomendada por Dios, otorgando al film un carácter demasiado épico al estilo Gladiador, que no va del todo bien con el personaje.

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5- THE FOUNTAIN

Quien diga que Mother es la película más pretenciosa de Aronofsky claramente no vio The Fountain,  con sus reflexiones sobre la eternidad, el amor y la creación, todas conectadas por el “árbol de la vida”. The Fountain contiene tres historias que se interconectan entre sí, todas ellas protagonizadas con variantes por Hugh Jackman y Rachel Weisz, en excelentes actuaciones que no pueden, lamentablemente, con la pomposidad del guión. La película triunfa en varios aspectos sin dudas (especialmente en el visual), pero algunos temas filosóficos le quedan un tanto grandes a un film que busca condensar mil conceptos en apenas 96 minutos de metraje que, así y todo, se sienten muchos más.

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4- RÉQUIEM PARA UN SUEÑO

A partir de este momento, el salto es cualitativo: si las anteriores dos entradas fueron aquellas que no consiguieron con demasiado éxito retratar la habilidad del director para erigirse como un auténtico “autor”, los siguientes films indudablemente sí lo hicieron. Tras es el excelente debut cinematográfico de Pi, Aronofosky se había posicionado como uno de los nuevos realizadores independientes a ser tenidos en cuenta. Naturalmente, la expectativa era alta para su segundo largometraje, y en una inteligente decisión el realizador optó por esbozar una película en las antípodas de la anterior, menos intelectual y mucho más cruda, completamente descarnada. ¿El tema? Simplificado: la miseria de la droga. Réquiem para un sueño sigue la vida de diferentes adictos, arruinados por su dependencia de todo tipo de drogas (ilegales y legales, o “prescritas”, también) y, claro, una suma de decisiones estúpidas de vida que las mismas a menudo desencadenan. No es necesariamente un film aleccionador, ya que simplemente describe situaciones habituales en este submundo, aunque sin señalar con el dedo ni bajar una moralina vetusta.  Es, sin embargo, un relato extremadamente perturbador.

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3- EL CISNE NEGRO

Hiper-nominada a los premios Oscar de su año de estreno (2010), El Cisne Negro es el film por el cual Aronofsky obtuvo mayor reconocimiento para generaciones de cinéfilos más recientes. El cocktail explosivo tenía a Natalie Portman como la sufrida protagonista (casi absoluta) del film así como del ballet que sucede en pantalla, siendo éste ni más ni menos que “El Lago de los Cisnes” de Tchaikovsky’. ¿Problemas de primer mundo y la elite artística? Sí. ¿Pretenciosa? Muy. Pero la película funciona y posee algunos momentos realmente antológicos, que muestran la pericia del autor en su primer incursión en lo que podría considerarse “terror psicológico”. Algunas monstruosidades metafóricas incluso asoman su cara, en momentos verdaderamente espeluznantes.

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2- EL LUCHADOR

Sin lugar a dudas, el film menos pretencioso y uno de los más logrados de la carrera del director. El Luchador tiene a Mickey Rourke en el papel de su vida, que supuso además todo un regreso con gloria a la pantalla grande. Estuvo nominado como “mejor actor” a los premios Oscar y, aunque perdió ante Sean Penn, más de uno pensó que le robaron el galardón, y con justas razones.  En el film, Rourke interpreta a Randy, un luchador de catch venido a menos (paralelismo inevitable con su vida detrás de cámaras) que busca la redención con un último “show” (¿difícil hablar de “round”?), a la vez que intenta reconciliarse con su hija, interpretada por Evan Rachel Wood. Simple, cruda, descarnada y directa. Un golpe emocional de enorme impacto que, sin embargo, quedó algo olvidado ante las controversias de sus más recientes películas.

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1- PI

De un presupuesto casi nulo pero una ambición gigantesca, Pi es la película que puso en órbita al director que hasta entonces apenas se había lucido en una serie de cortometrajes que rayaban lo experimental. Algo de eso hay aquí, pero con un trasfondo mucho más complejo, similar al de los temas que expone. Un matemático busca los números clave que podrían desbloquear los patrones de la naturaleza misma, y cuando lo encuentra también termina hallando lo impensado: el mundo -entendido por los humanos- no está preparado para tamaño descubrimiento. O, simplemente, no le conviene. Por motivos religiosos, políticos o hasta incluso, de manera bastante irónica, “numéricos” pero en cuanto a lo económico. Potente, compleja, rebuscada y por momentos también perturbadora, Pi es la obra máxima a la cual Aronofsky no pudo nunca volver, aún si se acercó lo suficiente como para mantener su status de realizador de culto.

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txt: Mariano Torres

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